Todos los años pasa algo que nos pone a hablar de los Oscar y corren ríos de tinta sobre el tema, pero no necesariamente por la calidad de las películas nominadas y premiadas. Ya sea antes o después de la ceremonia de entrega en cuestión, los escándalos van desde polémicas en las nominaciones hasta confusiones en el escenario e incluso violencia física.
Hollywood sabe mejor que nadie cómo montar un drama, cómo engancharnos y entretenernos mientras comemos pochoclo y no podemos dejar de mirar la pantalla. Ya sean coordinados o no, estos escándalos dan mucho que hablar y alimentan la maquinaria que todos los años se luce en la noche más esperada por los cinéfilos de todo el mundo.
Pero este año, las polémicas alrededor de los Oscar vienen más fuertes que nunca, y prácticamente todas las grandes favoritas fueron salpicadas por alguna acusación que las dejó mal paradas de cara a los premios. Lo irónico es que toda la situación se parece mucho a la trama de Conclave, una de las favoritas de la temporada. Y de este lado, puede resultar interesante y muy entretenido ver cómo los nominados se matan entre ellos.
Sin embargo es el síntoma de algo mucho más profundo que nos pone a pensar: ¿se premia la calidad de las películas? ¿O en realidad se premia el comportamiento de los artistas? Se sabe que los Oscar muchas veces son más un concurso de popularidad que un premio a la calidad, y todo lo que viene pasando estos años reforzó mucho esa idea.
Ahora ya cerraron las votaciones y, pase lo que pase, las ganadoras ya están grabadas en piedra. Repasemos un poco, película por película, qué estuvo pasando para que este año la carrera a los Oscar sea tan impredecible hasta último momento, con vueltas de tuerca dignas del mejor thriller hollywoodense.
Emilia Pérez
Sin dudas la más controversial de la temporada de premios. Empezamos a escuchar sobre ella en el Festival de Cannes, donde fue galardonada con el premio del jurado y un reconocimiento especial para todo su elenco femenino. Lo único que sabíamos hasta el momento era que se trataba de un musical dirigido por un francés, hablado en español, con elenco internacional y ambientado en México, sobre un narco que iniciaba una nueva vida después de su cambio de género.
Las primeras críticas se hicieron escuchar cuando comenzaron a circular clips de la película en redes sociales: primero fueron burlas alrededor del “español” de Selena Gómez (comparable al de Giancarlo Esposito en producciones como Better Call Saul y Capitan America: Brave New World), pero luego se fueron tornando en acusaciones cada vez más serias, y hasta violentas.
Después de la crítica pública del actor mexicano Eugenio Derbez, amplificada por la respuesta de Selena Gómez, las cosas comenzaron a escalar. De golpe ya no se cuestionaba solo el acento de la actriz, sino el hecho de que casi todo el elenco fuera de origen internacional para una historia narrada en territorio mexicano. Algo que, a pesar de ser una crítica válida, ya hemos visto cientos de veces en Hollywood.
El problema es que todas estas valoraciones negativas venían de recortes de la película que circulaban online, y muy poca gente admitía haberla visto antes de emitir su juicio. Un síntoma de estos tiempos. En ese momento, solo estaba disponible en Netflix en Estados Unidos y algunos screeners para los críticos. A fines de enero, cuando la película finalmente llegó a la mayor parte de los cines de Latinoamérica, el público general ya había dictaminado su sentencia: era mala y no valía la pena verla.
Las críticas por el español de las actrices, el eurocentrismo del director y la actitud de su protagonista Karla Sofía Gascón en redes se convirtieron en el nuevo tema de conversación de moda, uno que todos los días sumaba un escándalo distinto. Pero la primera advertencia sobre los tropos dañinos de Emilia Pérez vino por parte de la comunidad trans y pasó casi desapercibida, con una recopilación de críticas publicadas en la página oficial de GLAAD en noviembre del año pasado.
Sin embargo, los premios internacionales y la crítica de gran parte del mundo seguía reconociendo la calidad artística de la película, más allá de sus problemas de representación. La película recibió 13 nominaciones a los Oscar a pesar de todas las polémicas, ubicándola en lo más alto a la par de clásicos como Lo que el viento se llevó (1939), Forrest Gump (1994) y El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001).
Karla Sofia Gascón se convirtió en la primera actriz trans nominada al Oscar como Mejor Actriz, y -en ese momento- una de las favoritas de la terna junto a Demi Moore y Fernanda Torres. Todo podría haber quedado ahí si la protagonista de Emilia Pérez hubiera aceptado con gracia la victoria, pero eligió antagonizar con una de sus contrincantes, nada menos que la ganadora del Golden Globe Fernanda Torres, quien tiene una imagen positiva y es muy querida en su país.
Gascón sugirió en una entrevista que el equipo de prensa detrás de Aún Estoy Aquí (la película nominada por Brasil por la que también compite Fernanda Torres) estaba haciendo una campaña desleal en su contra en redes. Cabe destacar que en la misma entrevista también señaló que “Fernanda Torres es una mujer maravillosa y una actriz increíble”, pero las redes reprodujeron y amplificaron la otra parte del discurso.
Las reglas de la Academia, que fueron revisadas después de la polémica nominación a Andrea Riseborough hace un par de años, advierten que “no se tolerará que cualquier persona directamente asociada con una película elegible intente arrojar una luz negativa o despectiva hacia otra película competidora”. Y a la luz de este nuevo escándalo se especuló incluso con una posible descalificación de la española, que tuvo que salir a aclarar que Torres había sido “una aliada maravillosa”.
“En mis comentarios recientes me refería a la toxicidad y el discurso de odio violento en las redes sociales que lamentablemente sigo experimentando…Nadie asociado directamente con ella ha sido más que solidario y enormemente generoso”.
La actriz brasileña había subido unos poco días antes un vídeo a su cuenta de Instagram elogiando la faceta humana de su colega. En el post, contaba una anécdota de una fiesta de W Magazine en Los Ángeles en la que Karla Sofía Gascón la tomó de la mano y le presentó al resto de actores presentes para ayudarle a vencer su timidez– y defendiéndola precisamente ante los ataques que la española había sufrido hasta entonces en redes sociales.
Sin embargo, tras consultar con fuentes de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, la revista Rolling Stone reveló que no se tomaría ningúna acción disciplinaria. Según trascendió, tras analizar la transcripción de la controversial entrevista, la Academia había llegado a la conclusión de que “no se había incurrido en ninguna violación de las reglas de la campaña de promoción”.
A pesar de esto, el público general ya había tomado postura y ya no había vuelta atrás. Las declaraciones de Gascón se sumaron a una serie de enfrentamientos que la actriz española ya había tenido tanto en X (Twitter) como en Instagram, con usuarios que criticaban vehementemente a Emilia Pérez. Y fue el caldo de cultivo perfecto para lo que vendría después.
Luego de la entrevista, resurgieron viejos tuits islamofóbicos de Gascón, que todavía estaban publicados en la red social. La periodista y activista Sarah Fagi (quien se jacta de haberse enfrentado a varios famosos) publicó capturas de los tuits de Gascón y esto provocó que otros tuits similares vieran la luz: opiniones controversiales sobre George Floyd e incluso sobre los Oscar de 2021, en los que Gascón se quejaba de los premios otorgados en la gala y el activismo por el 8M y Black Lives Matters. Incluso circularon algunos post criticando a sus compañeras de elenco, que la actriz calificó como falsos.
La actriz salió rápidamente a pedir disculpas y desactivó su cuenta de Twitter, pero el daño ya estaba hecho. En este punto, vale recordar que varias actrices han enfrentado escándalos posteriores a su nominación en los Oscar, pero ninguno de la magnitud que enfrentó Karla Sofía Gascón. El odio dio paso a los discursos transfóbicos, justo en una época en que los líderes mundiales ponen en cuestionamiento los derechos de las minorías.
“Como miembro de una comunidad marginada, conozco muy bien este sufrimiento y me apena profundamente por aquellos a quienes he causado dolor. Toda mi vida he luchado por un mundo mejor. Creo que la luz siempre triunfará sobre la oscuridad”.
Después de este escándalo, Netflix le retiró su apoyo a la actriz e incluso la borraron de los carteles promocionales de Emilia Pérez. El director Jacques Audiard y sus compañeras de elenco también le soltaron la mano y Gascón tuvo que cancelar su asistencia a las premiaciones, desde los Critics Choice en Los Angeles hasta los Goya en España. Este quedará como un caso paradigmático en la historia de los Oscar.
El brutalista
Emilia Pérez no fue la única película que se vio envuelta en una controversia de cara a su nominación en los Oscar. Como decíamos al principio, varias de las candidatas a Mejor Película y favoritas de la temporada de premios enfrentaron polémicas por diversos temas, y El Brutalista fue una de las más perjudicadas.
Todo empezó cuando su editor Dávid Jancsó reveló que los acentos húngaros de la película habían sido mejorados con inteligencia artificial en post producción. Esto no solo despertó un acalorado debate por el uso de esta herramienta, sino que además opacó la performance de sus talentosos protagonistas, especialmente el nominado a Mejor Actor (y premiado por todas las entregas hasta la fecha) Adrien Brody.
En una entrevista a la publicación RedShark News, el editor nominado al Oscar reveló que la producción utilizó la empresa de software ucraniana Respeecher, que se especializa en tecnología de generación de voz con inteligencia artificial, para hacer que los actores sonaran más auténticos cuando hablaban húngaro. Felicity Jones es británica y Adrian Brody, estadounidense de madre húngara. Ambos pasan la mayor parte de la película hablando inglés con acento húngaro y sus personajes hablan su lengua materna solo unas pocas veces.
Jancsó, hablante nativo de húngaro, dijo que introdujo su propia voz en el modelo de inteligencia artificial, que luego se utilizó para ayudar a los personajes de Jones y Brody a dominar algunos de los dialectos húngaros más complicados de la película. Jancsó aclaró que incluso para alguien con el origen húngaro de Brody, no es un idioma fácil de aprender.
“Fuimos muy cuidadosos con mantener sus actuaciones. Es un idioma extremadamente único. Entrenamos [a Brody y Jones] e hicieron un trabajo fabuloso. Pero también queríamos perfeccionarlo para que ni siquiera los lugareños notaran alguna diferencia”.
Hubo otras razones prácticas para el uso mínimo de IA en The Brutalist, según Jancsó. La película se financió de forma independiente, con un presupuesto muy bajo para los estándares de la industria: menos de 10 millones de dólares. Utilizar Respeecher para perfeccionar el diálogo húngaro permitió al equipo creativo acelerar el ya largo proceso de posproducción de 18 meses.
“Básicamente se trata de reemplazar letras aquí y allá. Puedes hacer esto en Pro Tools tú mismo, pero teníamos tanto diálogo en húngaro que realmente necesitábamos acelerar el proceso. De lo contrario, todavía estaríamos en posproducción”.
Después de que la entrevista de Jancsó se volviera viral, el director de la película Brady Corbet emitió un comunicado de prensa en el que abordaba el tema:
“Las actuaciones de Adrien y Felicity son completamente suyas. Trabajaron durante meses con la entrenadora de dialecto Tanera Marshall para perfeccionar sus acentos. En la edición de diálogos en húngaro se utilizó la innovadora tecnología Respeecher, específicamente para refinar ciertas vocales y letras para lograr precisión. No se modificó el idioma inglés. Este fue un proceso manual, realizado por nuestro equipo de sonido en posproducción. El objetivo era preservar la autenticidad de las interpretaciones de Adrien y Felicity en otro idioma, no reemplazarlas ni alterarlas, y se hizo con el máximo respeto por el oficio”.
Según publicó también RedShark News, ese no fue el único uso de IA en El Brutalista. Al final de la película hay esquemas de planos diseñados por el personaje de László Tóth y sus edificios terminados. El artículo dice que también fueron parcialmente generados por inteligencia artificial. Pero el director Brady Cobert salió a desmentir rápidamente que se hubiera utilizado IA para hacer los esquemas de los edificios y planos de Toth.
“[La diseñadora de producción] Judy Becker y su equipo no utilizaron IA para crear o renderizar ninguno de los edificios. Todas las imágenes fueron dibujadas a mano por artistas. Para aclarar, en el video conmemorativo que aparece en el fondo de una toma, nuestro equipo editorial creó imágenes diseñadas intencionalmente para que parecieran representaciones digitales deficientes de alrededor de 1980”.
Las críticas en redes sociales no tardaron en llegar, cuestionando la autenticidad de las películas mejoradas con IA y una preocupación de no poder distinguir a futuro la IA escondida “solo para abaratar películas sin alma”. Incluso algunas películas, como Heretic de A24, están adoptando una postura firme sobre el tema, esforzándose por informar al público que “no se utilizó ninguna IA generativa en su realización” mientras aparecen los créditos finales.
A raíz de esta polémica, Dávid Jancsó declaró:
“Es controvertido en la industria hablar de IA, pero no debería serlo. Deberíamos tener una discusión muy abierta sobre qué herramientas nos puede proporcionar la IA. No hay nada en la película que use IA que no se haya hecho antes. Simplemente hace que el proceso sea mucho más rápido. Usamos IA para crear estos pequeños detalles que no teníamos el dinero o el tiempo para filmar”.
Vale la pena señalar que The Brutalist no es la única película de esta temporada de premios que mejora una interpretación vocal con inteligencia artificial generativa. Emilia Pérez también utilizó Respeecher para ampliar el rango vocal de su actriz principal, Karla Sofía Gascón. Se dice que la voz de Gascón se fusionó con la de la estrella pop francesa Camille, quien coescribió las canciones y la banda sonora de la película.
En una entrevista con Screen Rant, la actriz española dijo que interpretar las canciones de Emilia Pérez “fue todo un desafío para mí porque realmente no soy cantante. No es lo mío”. Históricamente, en los musicales siempre fue común que las voces que cantaban en el cine estuvieran completamente dobladas. Más recientemente, la alteración digital de las voces se ha convertido en una práctica habitual tanto en la industria cinematográfica como en la musical.
Este año, sin ir más lejos, la voz de Angelina Jolie se mezcló con la de Maria Callas para interpretar a la diva de la ópera en Maria de Pablo Larraín. Rami Malek ganó un Oscar por su interpretación de Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody (2018), que también combinó varias voces para sus secuencias musicales. Incluso Respeecher recientemente llegó a un acuerdo con Lucasfilm para ayudarlos a usar la voz del fallecido James Earl Jones en futuros proyectos de Darth Vader, con la bendición del actor.
En una entrevista con The Washington Post, David Barber, presidente de la organización Motion Picture Sound Editors, se mostró comprensivo con Corbet y Janscó. Reconoció el dilema ético al que se enfrenta el auge de la IA en la industria, pero también calificó la tecnología como una herramienta valiosa para los mezcladores de sonido y los artistas.
“La IA que utilizan los profesionales del sonido… es simplemente el conjunto de herramientas más nuevo que se ha puesto en nuestras manos. No se puede negar que está aquí, y no se puede ignorar”.
Pero para muchos otros, el uso de la IA generativa, sin importar cuán insignificante o bien intencionada sea, es similar al doping en los deportes profesionales: una forma injusta y poco ética de lograr mejores resultados. Dado el enfoque en la realización cinematográfica de Corbet (ha sido elogiado por su oficio, al filmar en el formato VistaVision apropiado para la época), incluso la más mínima sugerencia de que puede haber tomado atajos al usar IA podría afectar las posibilidades de su película de ganar el Oscar.
O tal vez no. El uso predominante de la IA en Hollywood está creciendo innegablemente. Pero a medida que esta herramienta se vuelve más ampliamente aceptada, las consecuencias para los creativos de todo tipo parecen cada vez más nefastas. Hay una razón por la que las protecciones contra la IA fueron fundamentales en las negociaciones tanto para los actores como para los guionistas durante las huelgas de Hollywood de 2023.
“The Brutalist es una película sobre la complejidad humana, y cada aspecto de su creación fue impulsado por el esfuerzo humano, la creatividad y la colaboración. Estamos increíblemente orgullosos de nuestro equipo y de lo que han logrado aquí”.
Así se defendió el director de la película de las acusaciones. Y los medios internacionales reflexionaron sobre el tema. Vanity Fair escribió: “Esfuerzo humano, sí, pero esfuerzo que, al menos en parte, se generó artificialmente. Para quienes prefieren ver algo imperfecto en lugar de algo impecable pero ligeramente artificial, el uso de inteligencia artificial para corregir errores humanos resulta, cuanto menos, inquietante.”
Las acusaciones llegan meses después de que Brady Corbet ganara el León de Plata a Mejor Director en el Festival de Venecia, luego de ser ovacionado por su película como la gran sorpresa del festival. Justo en este momento, el cineasta vuelve a encabezar titulares al revelar que no ganó ni un dólar por su película, a pesar de todos los premios y nominaciones al Oscar.
“Acabo de dirigir tres anuncios en Portugal. Es la primera vez que gano dinero en años”.
The Brutalist viene recaudando hasta el momento $14.6 millones en Estados Unidos. En Gran Bretaña, donde está siendo distribuido por Focus y Universal, el total de taquilla hasta ahora es de $3.2 millones. Las ganancias en el resto del mundo hasta la fecha ascienden a unos $13.4 millones, con una recaudación total de $31.1 millones.
En el podcast WTF de Marc Maron, el director contó que él y su esposa, la co-guionista y también productora de El Brutalista, Mona Fastvold, no ganaron ni un dólar en las dos últimas películas que hicieron. El presupuesto de Corbet para su última película fue de $9.6 millones y una semana después de su estreno en el Festival de cine de Venecia en agosto de 2024, los derechos de distribución fueron adquiridos por A24 por una suma similar, después de varias ofertas de otros estudios. Cuando Maron le consultó por sus ganancias totales, el director respondió:
“Sí. En realidad, cero. Tuvimos que vivir solo con un cheque de tres años atrás. He hablado con muchos cineastas que tienen las películas que están nominadas este año y que no pueden pagar el alquiler. Quiero decir, eso es algo real.”
A pesar de que las distribuidoras muchas veces financian los gastos de sus artistas, incluso pasajes y hospedaje para asistir a las entregas de premios, estos no reciben pago por promocionar sus películas. Corbet pasó a describir el circuito de prensa como “un interrogatorio de seis meses” y dijo que había participado en 90 entrevistas en la última semana.
“Nuestra película se estrenó en septiembre. Así que llevo haciéndolo durante seis meses. Y no he tenido ningún ingreso porque no tengo tiempo para ir a trabajar. Ni siquiera puedo aceptar un trabajo de escritura en este momento. Es los siete días de la semana. Es interminable. Es un viaje constante, y también trabajas los sábados y domingos. No he tenido un día libre desde las vacaciones de Navidad, y eso también fue solo de cuatro días”.
Anora
La aclamada película de Sean Baker tampoco se salvó de la controversia. En la conversación del ciclo Actors on Actors que Mikey Madison sostuvo con Pamela Anderson (The Last Showgirl), la protagonista de Anora reveló que rechazó la oferta de un coordinador de intimidad para su papel homónimo en la película. Y la decisión provocó un gran debate en la industria y en redes sociales. La actriz aclaró que se trató de una decisión basada en la confianza hacia el director y su esposa Sammy Quan, productora de la película:
“Los cineastas me ofrecieron, si quería, un coordinador de intimidad. Mark Eydelshteyn, que interpreta a Ivan, y yo decidimos que sería mejor mantenerlo a pequeña escala. Sean, Sammy y yo ya habíamos creado una relación muy cómoda, y me sentí más cómoda teniendo a los dos solos en lugar de traer a otra persona a la habitación.”
Madison agregó que esa fue la mejor opción para esta película y este proyecto en particular. “Rodamos esas escenas súper rápido y la comunicación fue definitivamente perfecta”, contó la actriz. En lugar de traer a otra persona para supervisar los momentos íntimos, Baker y Quan “hablaban de diferentes posiciones” y “demostraban cómo querían que se viera”, relató la protagonista de Anora.
“Mi personaje es una trabajadora sexual y había visto las películas de Sean y conocía su dedicación a la autenticidad. Estaba lista para ello. Requiere mucho de su cuerpo y su piel. Lleva su desnudez como un disfraz. Se presenta de esta manera hipersexualizada porque es su forma de ganarse la vida. Es simplemente lo que tiene que hacer. Como actriz, lo abordé como un trabajo”.
Baker, por su parte, confesó que nunca ha utilizado coordinadores de intimidad en sus películas, pero aclaró que ha tenido cuidado de ser sensible y estar en sintonía con sus actores. Especialmente considerando que gran parte de su filmografía (con películas como Red Rocket y Tangerine) a menudo se centra en las realidades del trabajo sexual.
“Creo que con la coordinación de la intimidad, se trata de un caso por caso, película por película. Si un actor lo solicita, 100%. Pero he dirigido aproximadamente 10 escenas de sexo a lo largo de mi carrera y me siento muy cómoda haciéndolo. Es nuestra prioridad número uno mantener a nuestros actores seguros, protegidos, cómodos e involucrados en el proceso”.
El director declaró que la única situación en la que definitivamente querría utilizar un coordinador de intimidad sería una escena que retratara violencia sexual. Pero agregó que hasta ahora, como guionista, nunca ha tenido el deseo de escribir una escena como esa.
La coordinación de intimidad es una práctica relativamente nueva en la industria, surgida a partir de la era #MeToo y las denuncias de artistas por explotación o incomodidad mientras filman escenas íntimas. Los estudios comenzaron a contratar expertos en movimiento y salud mental para coreografiar escenas de intimidad sexual y, al mismo tiempo, ofrecer defensa legal y emocional a todas las partes involucradas.
Desde hace varios años existe un debate en torno a los coordinadores de intimidad en Hollywood, con estrellas como Ewan McGregor y Emma Thompson calificándolos de “absolutamente esenciales”, mientras que Michael Douglas y Jennifer Aniston han expresado sus dudas.
Según SAG-AFTRA, un coordinador de intimidad es “un defensor, un enlace entre los actores y la producción (…) en lo que respecta a la desnudez, el sexo simulado y otras escenas íntimas e hiperexpuestas”. Aunque algunas compañías han exigido el uso de un coordinador de intimidad en sus sets, no existen requisitos para toda la industria sobre el rol, y esto queda a criterio de cada producción.
Consultada por el medio Variety, la coordinadora de intimidad Marci Liroff, que también ha trabajado como directora de casting y coach de actuación, dijo que si bien admira a Baker como cineasta, tiene grandes preocupaciones al respecto:
“Lo que se volvió realmente obvio para mí es que él descuida comprender la dinámica de poder que es inherente al set… Es casi imposible para un actor decirle que no a alguien que tiene poder de contratación y despido. No quieres parecer necesitado. No quieres tener que gastar más dinero: somos una nueva posición en el set, por lo que somos una nueva partida en el presupuesto”.
Anora ganó la Palma de Oro en Cannes 2024 y el BAFTA a Mejor Actriz el domingo pasado. También se alzó con el Critics Choice a Mejor Película y en el mismo fin de semana fue reconocida por el Gremio de Directores y el Gremio de Productores de Hollywood con el premio mayor, además de ganar también el galardón del Gremio de Guionistas. La película de Baker, que tuvo un presupuesto de $6 millones, ha recaudado hasta ahora $34.6 millones en todo el mundo.
Marci Liroff, cuyos créditos incluyen Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story (2022-) y Dexter: Original Sin (2024), agregó que a muchos en su línea de trabajo les inquieta la idea de que los actores estuvieran en la posición de tener que tomar decisiones en las escenas íntimas de Anora. Y destacó también que un coordinador de intimidad no está ahí sólo para los actores principales. Jessica Steinrock, directora ejecutiva de Intimacy Coordinators and Directors Inc., coincide:
“Cuando se plantea como ‘¿Quieres este apoyo o no?’, para mí tiene sentido que alguien pueda optar por no participar porque personalmente no siente la necesidad de apoyo o defensa adicional, sin reconocer plenamente cómo el papel también apoya a otros en el
Según esta profesional del rubro, Madison y Eidelstein no eran los únicos actores que tendrían que decidir sobre cómo se manejaban las escenas íntimas. “Realmente solo estamos escuchando a los dos actores principales, el director y la productora”, señaló Lauren Kiele DeLeon, una coordinadora de intimidad que ha trabajado en Broadway con la nueva puesta de Cabaret y la próxima película de Sundance Bunnylovr.
“Estos actores se sintieron cómodos con su director, eso es genial. Pero creo que dejamos de lado a muchas otras personas cuando nos centramos en las que tienen más poder. A lo largo de la historia, hemos tenido camarógrafos que tienen que sentarse allí, en silencio, y literalmente grabar agresiones, y no sentir que pueden decir nada. Estamos en una industria de personas que están capacitadas para decir que sí y no pensar en nada más. Eso es algo difícil de reconfigurar”.
De hecho, las primeras escenas de Anora tienen lugar en el club de striptease donde trabaja la protagonista y se ve a varias mujeres anónimas bailando en el regazo de varios hombres anónimos. “A pesar de no tener diálogos, cada uno de ellas habría tenido la oportunidad de hablar sobre qué tipo de vestuario y contacto se sentían cómodos con un coordinador de intimidad si hubiera habido uno presente”, dice Liroff, que ha manejado conjuntos de 30 bailarinas más sus clientes masculinos en el drama de Starz Hightown (2020-2024).
Además, un coordinador de intimidad es responsable de garantizar la comodidad y la seguridad de los miembros del equipo presentes en las escenas que involucran desnudez. Una de las partes más importantes de la capacitación para este trabajo, dice Liroff, es la de primeros auxilios “en caso de que un actor o un miembro del equipo se sienta afectado por una escena y tenga un ataque de pánico”.
Andrea Werhun, una de las consultoras que trabajó en Anora, está de acuerdo con sus colegas. Werhun fue contratada para asesorar en la película después de que Baker leyera Modern Whore, una autobiografía que escribió sobre sus experiencias como trabajadora sexual. Ahora, está en posproducción de una adaptación cinematográfica del libro dirigida por Nicole Bazuin. Werhun se interpreta a sí misma en la película y Baker es productor ejecutivo.
Si bien un consultor se centra principalmente en el guion, parte del entrenamiento de un coordinador de intimidad es “colocar los cuerpos de una manera que parezca real pero que no se sienta real de ninguna manera. Los buenos coordinadores de intimidad que conozco son colaborativos”.
Y, como dice Liroff, contratar a un consultor de trabajo sexual sin un coordinador de intimidad es como “hablar con alguien que escribió un libro sobre escenas de riesgo y luego no contratar a un coordinador de escenas de riesgo”. A su vez, DeLeon afirma que puede surgir un problema cuando el contenido sexual en pantalla se mezcla con las prácticas de producción fuera de la pantalla.
Junto con los intérpretes y los miembros del equipo, Werhun también ve al coordinador de intimidad como una forma de asegurarse de que la gente se sienta bien al ver la película y opina que los coordinadores de intimidad deberían ser estandarizados en cualquier película que involucre cualquier tipo de intimidad.
“Creo que es importante que el público tenga la seguridad de que todo lo que está viendo se ha desarrollado con total consentimiento. “Todos saben en qué se están metiendo. No hay nada espontáneo, nada improvisado. Todos se sienten seguros y cómodos en el set y fuera de él”.
Dicho esto, entiende lo que piensa Madison y está segura de que la razón por la que dijo que no tiene que ver con su confianza en Sean, Sammy y el resto del equipo de producción. A pesar de creer que la película habría sido más sólida si hubiera habido un coordinador de intimidad involucrado, acepta que Sean Baker y Mikey Madison podrían tener una opinión diferente al respecto.
“Ella misma tomó la decisión de que no quería una. Y creo que es importante respetar su autonomía en ese aspecto. Respeto totalmente su decisión y no creo que deba sentirse avergonzada”.
Aún estoy aquí
La actriz brasileña Fernanda Torres tuvo que salir a disculparse públicamente después de que resurgiera un sketch televisivo de hace 17 años en el que apareció caracterizada con blackface. Esta es una práctica de maquillaje teatral que se usaba para caricaturizar a personas negras, y que hoy es considerado sumamente retrógrado y racista.
“Hace casi veinte años, aparecí con blackface en un sketch de comedia de un programa de televisión brasileño. Lo lamento profundamente. Es importante para mí abordar esto rápidamente para evitar más dolor y confusión”.
El sketch se emitió en el marco del programa Fantástico, una producción semanal al aire en Brasil desde 1973 que combina segmentos de noticias, entretenimiento y comedia. En un episodio, Torres interpretó a varios personajes, incluida una empleada doméstica a quien representó con maquillaje oscuro en la piel y un comportamiento exagerado. Según Deadline, la parodia llevaba por título El Sexo Opuesto: La Familia (Padre vs. Madre) y exploraba con humor los roles de género en la dinámica familiar.
El clip, que se viralizó hace poco en redes sociales, muestra a Torres interpretando a una empleada doméstica que rechaza ayudar a su patrona porque enfrenta los mismos desafíos, como cuidar de su casa, sus hijos y su esposo. En otra escena, el personaje aparece lanzando una bolsa de hamburguesas mientras grita de manera exagerada, lo que ha sido señalado como una representación ofensiva y estereotipada.
Esto generó fuertes críticas hacia Torres, comparándola con otros casos similares, como el uso de maquillaje para oscurecer la piel de Zoe Saldaña en el filme Nina (2016). Sin embargo, también hubo quienes señalaron que algunos de los comentarios más críticos provenían de cuentas dedicadas a apoyar a otras actrices nominadas al Oscar, lo que podría reflejar intereses competitivos.
En su disculpa, la actriz de 59 años reconoció la falta de sensibilidad en aquel momento respecto al uso de blackface en Brasil. En su comunicado lamentó el incidente, calificándolo de ofensivo y fuera de lugar.
“A pesar de los esfuerzos de los movimientos negros y las organizaciones en ese entonces, la conciencia sobre la historia racista y el simbolismo del blackface aún no había llegado al conocimiento público general en Brasil”.
Torres destacó en su comunicado la importancia de continuar este tipo de discusiones para evitar la normalización de prácticas racistas: “Como artista y ciudadana global, me mantengo atenta y comprometida con los cambios necesarios para vivir en un mundo libre de desigualdad y racismo”.
La sustancia
En enero, Margaret Qualley participó en el podcast Happy Sad Confused y confesó que las prótesis que usó en The Substance arruinaron tanto su piel que al final de la filmación tuvieron que encontrar formas de evitar filmar su rostro.
“Por ejemplo, al final, cuando están filmando debajo de mi falda en los créditos iniciales, y hay palmeras por todos lados y tienen todos estos lentes largos desde abajo, eso es solo porque mi rostro estaba tan jodido en ese momento que ya no podían filmarlo”.
El problema no terminó con la filmación de The Substance. La actriz dijo que tuvo acné que persistió durante aproximadamente un año, incluso cuando comenzó a filmar su próxima película, Kinds of Kindness, de Yorgos Lanthimos, en la que Qualley interpreta distintos personajes.
“¿Viste el personaje que tiene todo ese acné? Era solo mi acné por las prótesis. Y pensé: Oh, esto es perfecto. Estoy interpretando todos estos personajes diferentes; para uno de ellos usaremos todo mi acné protésico. Probablemente me llevó un año recuperarme físicamente de todo eso”.
La ironía no pasó desapercibida: la actriz se estropeó la piel al punto de que no se podía filmar su cara -que representaba la perfección- en una película sobre los estándares de belleza imposibles de Hollywood. Qualley confesó que tuvo que usar un traje protésico que describió como “una cámara de tortura” en una entrevista LA Times. Por supuesto, los comentarios en redes sociales también estuvieron a la orden del día, aunque esta vez no fue tan escandaloso como en los otros casos.
“Simplemente lo usábamos hasta que me daba un ataque de pánico. Y lo tentador es que quieres quitártelo, pero por supuesto no puedes hacerlo, porque te llevas la piel contigo”.
Como una película de body horror, las prótesis de The Substance fueron fundamentales para la película. Y el esfuerzo valió la pena: ha sido reconocida por su excelente trabajo de maquillaje en múltiples entregas de premios, incluida su nominación a los Oscar. Si bien enfrenta una formidable competencia en la categoría frente a películas como Nosferatu y A Different Man, a partir de historias como la de Qualley está claro que la producción puso mucho esfuerzo en sus efectos.
Como muchas películas de terror modernas, definitivamente también se usó mucho CGI para generar los efectos, pero algunos de los momentos más impactantes de The Substance se lograron a través de efectos prácticos. Esto es poco común y refrescante en una industria que recae cada vez más sobre los efectos generados por computadora. Las prótesis podían llevar “entre seis y nueve horas y media”, según contó Demi Moore a Access Hollywood en los Globos de Oro. Y agregó que le tomaba al menos una hora y media quitársela por completo.
Hablando de Demi Moore, el pasado de la actriz de 62 años también volvió a resurgir al igual que el de sus compañeras de categoría, para pasarle factura. En redes circuló un controvertido video de sus comienzos como actriz a principios de los ochenta, cuando actuaba en el culebrón General Hospital (1963-).
En él se ve a Moore, que tenía entonces 19 años, besando en los labios a su compañero de reparto Philip Tanzini durante la fiesta de celebración del cumpleaños de 15 de este. La actriz ya estaba casada entonces con su primer marido, Freddy Moore, y el video se interpretó como una muestra de afecto frente a las cámaras, pero la imagen de una actriz mayor besando a otro menor es bastante chocante.
Sin embargo, el público general la perdonó por los errores de su pasado. El discurso de Demi Moore en los Golden Globes, donde dijo que durante mucho tiempo había sido menospreciada por la industria y calificada como una “actriz pochoclera” ayudó a fomentar su estatus como favorita en la categoría. Al igual que las múltiples entrevistas y apariciones en eventos con su perrito, su carisma y buen trato con sus colegas, y su hermosa relación pública con su ex esposo Bruce Willis y su familia ensamblada.
En definitiva, todo esto prueba que los Oscar no son más que un concurso de popularidad. Al menos en este momento, en que la calidad de las producciones y sus artistas pasa a segundo plano para enfocarse en la calidad humana de los nominados, o sus apariencias. Con un público sobreinformado y decidido a juzgar rápido y formar su opinión en un segundo, el peligro de ser cancelado pesa más que cualquier nominación o premio.
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