Si hay un director que ha logrado revolucionar el cine con su propuesta estética y narrativa, excediéndolo y transformando también la cultura popular, ese es Quentin Tarantino. Lo hizo con Pulp Fiction (1994), obra maestra que con su narración fragmentada en capítulos que no respetan un orden cronológico, representó un hito cultural en los años 90.

El público esperaba que el suceso se repitiera con su tercera película, Jackie Brown (1997), pero las expectativas se vieron defraudadas para quienes anticipaban otra obra plagada de acción y violencia. Jackie Brown hablaba de cierta búsqueda de madurez por parte del realizador, contaba con otro tono y otro ritmo, y si bien la peculiaridad de los diálogos y el aura cool de la música seguían estando ahí, la trama criminal estaba subordinada a la historia de amor crepuscular que era, en definitiva, el eje de la historia.

Después de varios años sin filmar, Tarantino volvió a las salas en 2003 con Kill Bill: Volumen 1, y luego de una pausa tan larga nadie sabía bien qué esperar. Lo que sucedió fue un punto de inflexión para el cine moderno. Una obra que reinventó el cine de acción, un manifiesto de estilo que rompió esquemas tanto narrativa como estéticamente, influyendo en generaciones posteriores de cineastas.

La figura de La Novia se transformó en un ícono feminista, y la mezcla de géneros, el uso de la violencia híper estilizada y la integración de secuencias animadas han inspirado no solo películas, sino que también han influido en series, videojuegos y en la cultura pop en general. Tarantino consolidó con Kill Bill su reputación como autor de obras que trascienden la pantalla, dejando una huella indeleble en la industria cinematográfica.

El camino de la heroína

Kill Bill The Whole Bloody Affair (2026), la versión definitiva que combina los Volúmenes 1 y 2 en una sola historia continua de 276 minutos, llega a los cines como una sola película, que es como Quentin Tarantino la concibió originalmente. Esta edición incluye escenas inéditas y secuencias sin censura para contar el viaje de Beatrix Kiddo aka La Novia (Uma Thurman), una asesina letal que busca vengarse de Bill (David Carradine) -su mentor, su jefe y también su amante- y su escuadrón de asesinos.

La película empieza con la masacre perpetrada por el Deadly Viper Assassination Squad integrado por Vernita Green (Vivica A. Fox), Budd (el hermano de Bill, interpretado por Michael Madsen), Elle Driver (Daryl Hannah) y O-Ren Ishii (Lucy Liu) contra La Novia embarazada y sus amigos en el ensayo de su boda.

El escuadrón la deja dándola por muerta junto con todos los presentes en la capilla. Sin embargo, La Novia sobrevive. Años más tarde despierta de un largo coma en un hospital, y decide emprender un implacable camino de revancha que la lleva a enfrentarse y eliminar uno por uno a todos los miembros de su antiguo escuadrón, hasta llegar finalmente a Bill.

La forma es todo

En términos narrativos la película es, en esencia, bastante sencilla. Su aparente complejidad no proviene de la historia en sí, sino del modo en que Quentin Tarantino decide contarla. Los hechos no se desarrollan de forma lineal, sino fragmentados en capítulos que alternan constantemente entre pasado y presente. Así, por ejemplo, el film muestra la muerte de Vernita antes que la de O-Ren, aunque cronológicamente dentro del universo de la historia los acontecimientos suceden al revés.

Por momentos, esta estructura desordenada contribuye a reforzar la tensión o a ocultar información clave al espectador, como la verdadera identidad de La Novia o el aspecto de Bill, que sobrevuela la primera mitad de la película como una entidad omnisciente para adquirir corporalidad recién en la segunda parte de la misma.

En ese sentido, uno de los cambios más importantes en esta edición es que el intermedio se ubica al final de lo que era el primer volumen, pero corta antes de la revelación que supo ser el cliffhanger definitivo: la hija de La Novia aún está viva, y en esta versión unificada esa información nos llega recién cuando la niña aparece en pantalla.

El experto en apropiación cultural

Kill Bill fusionó el cine de artes marciales, el cine de samuráis y el spaghetti western, creando un estilo visual único que marcó tendencia y redefinió el concepto de heroína en pantalla. El pastiche dejó de ser una mera referencia estética para convertirse en un lenguaje articulado.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair es una obra donde la forma y el contenido son inseparables. El estilo no acompaña a la historia: la define por completo. La música no opera como un mero complemento decorativo, si no como un elemento narrativo, como un personaje más que determina climas, que anticipa y exalta el conflicto, y que incluso define el ritmo de varias secuencias de montaje.

La música de Morricone, el silbido de Twisted Nerve (1968), el leitmotiv de El avispón verde (1966-1967), la melodía que reviste de emoción el encuentro con Hattori Hanzo (Sonny Chiba), todo se amalgama creando una identidad sonora que atraviesa la película como el pulso que le da vida.

El montaje opera justamente como la espina dorsal del largometraje. Cada capítulo funciona por sí mismo y demuestra el talento de Tarantino para crear escenas que son inolvidables por sí mismas, pero su verdadera maestría reside en lograr que cada momento se encadene al siguiente en un encastre perfecto, convirtiendo al motor de la venganza en el deseo urgente y visceral que recorre todo el relato.

8M: Una filmografía plagada de heroínas

La Novia transformó por completo la idea de la heroína vengativa, redefiniendo ese arquetipo y elevándola a la categoría de mito. Para que esto suceda fueron esenciales dos cuestiones: la interpretación descomunal de Uma Thurman (al día de hoy La Novia sigue siendo considerada el rol consagratorio de toda su carrera) y la co-creación del personaje por parte Tarantino y Uma. La placa final de los créditos reza Based on the character The Bride created by Q&U (basado en el personaje La Novia creado por Q&U), como un sello que graba a fuego la importancia de ese trabajo colaborativo.

La Novia muere y resucita, asesina y sufre abusos, duela a su hija para luego encontrarla cuando no la esperaba, cuando solo seguía adelante empujada por el deseo de vengarla. Esa dualidad arraigada en la antítesis permanente (expresada también en la fotografía con sus amarillos saturados y sus contrastes violentos) atraviesa toda esa odisea personal signada por la venganza, pero también por la redención. Porque, en definitiva, La Novia es una mujer que con cada nombre que tacha de la lista está matando su propio pasado para poder encarar su futuro.

Ahora bien, además de La Novia están las villanas, que en esta historia son mayoría y que cuentan con un desarrollo de personaje clave para entender su participación en la masacre. Sobre todo en el caso de O-Ren, cuya historia de origen es la que aporta la mayor cantidad de minutos inéditos a esta última versión, añadidos a la famosa secuencia de animé.

Pero antes de Kill Bill estuvo Jackie Brown, con una protagonista afroamericana que pasaba los 40 años: una elección para nada comercial e incluso desafiante por parte del realizador, teniendo en cuenta los cánones de la época. Después de Kill Bill llegaron las chicas de Death Proof (2007), las que persiguieron sin tregua a un asesino serial hasta darle caza. Una de ellas fue interpretada por Zoë Bell, la doble de riesgo de Uma en Kill Bill a quien Tarantino decidió darle la oportunidad de lucirse como actriz, haciendo sus propias secuencias de acción.

Y luego llegó Shosanna Dreyfus en Inglourious Basterds (2009). Una chica judía que logra escapar en la Francia ocupada por los nazis tras la aniquilación de su familia. Shoshanna encuentra en el cine un medio de supervivencia y también el vehículo perfecto para eliminar a Hitler y ponerle fin a la Segunda Guerra Mundial, en ese nuevo canon de reescritura de la Historia que Tarantino supo inventar. Otra heroína que espera pacientemente el momento ideal para ejecutar su venganza.

Es por lo tanto curioso que, durante el estreno de su última película Once Upon a Time in Hollywood (2019) muchos críticos hayan acusado al director de misógino por haber ‘reducido’ al personaje de Sharon Tate (interpretado por Margot Robbie) a un mero elemento decorativo que no habla ni tiene desarrollo en la trama. Tarantino tuvo que explicar que su intención fue hacerle un homenaje a la actriz, una suerte de rescate de su trabajo cinematográfico que de alguna manera la salve de su trágico final al mostrarla viva y feliz. No como un personaje más que podría rozar la caricatura, si no como una presencia más pura y etérea.

Si bien fue valioso conocer ese enfoque como una aproximación al proceso creativo del director, lo insólito fue semejante acusación para alguien que puede exhibir una galería de personajes femeninos extremadamente fuertes, complejos y aguerridos. Un autor que sabe dotar de carnadura a sus criaturas desde la escritura del guion, con sus luces y sus sombras, y que siempre le reservó la gloria y la máxima capacidad de patear traseros a las mujeres que supo construir.

Las dos caras de una misma moneda

Ir al cine a ver Kill Bill: The Whole Bloody Affair es ir a ver una película que trasciende la cicatriz a la que fue sometida por años para convertirse en un todo indiscutible. Una oda a la forma cinematográfica disfrazada de venganza. Dos mitades de una misma obra que dialogan entre sí y que adquieren otro sentido en su unión: una primera parte desbordante de sangre, violencia y pirotecnia visual que funciona como el contrapunto perfecto del western crepuscular que se adueña de la segunda mitad, y nos entrega un cierre de cuentas pendientes en la forma de una conversación en vez de una lucha encarnizada.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair nos hace reencontrar con uno de los íconos del cine moderno, uno que sentó las bases de la narrativa épica audiovisual contemporánea. Y su reestreno constituye un acontecimiento cinematográfico ineludible.